PERIODOS DE LA MUSICA

                                        EDAD ANTIGUA

El canto y la danza nacen con el hombre, antes de la escritura. La Edad Antigua en la música termina cuando comienza la Edad Media, esta comprende desde la Prehistoria a la aparición de las primeras civilizaciones; es decir, desde el 3.500 A.C hasta el 476 D.C

MESOPOTAMIA ANTIGUA

La Mesopotamia Antigua,es la tierra comprendida  entre los ríos Tigris y Eufrates y en la antigüedad fue la cuna de la civilización.
                                                                                 En la Antigua Mesopotamia, hubo gran variedad de pueblos, pero se pueden dividir en dos grandes grupos: Los Sedentarios y los Nómadas. Las relaciones entre ambos grupos marcaron en gran medida la historia de toda la región de la Mesopotamia.

Los avances técnicos que desarrollaron los pueblos de la Mesopotamia, como la rueda, las primeras ciudades, el aprovechamiento de los recursos naturales, las matemáticas o la escritura, han trascendido e influenciado la actual cultura occidental, estudiar la Antigua Mesopotamia es estudiar el origen de nuestra forma de pensar y vivir.

La Lira, se considera el instrumento nacional sumerio. Se hallaron preciosas liras, adornadas con oro, plata y placas de concha con ilustraciones, en las tumbas reales. Estas primitivas liras sumerias son tan grandes, que se apoyaban en el suelo; Su caja de resonancia se construía en forma de toro (símbolo de la fertilidad)







                                                                                                                       

El Laúd, su existencia esta documentada en reproducciones babilónicas del segundo milenio precristiano, casi siempre en manos femeninas, pero esta de igual modo entre los asirios. En el laúd, llama la atención su largo cuello con diapasón sobre el cual corren 2 a 3 cuerdas y su pequeño cuerpo de resonancia, sobre el cual se halla tendido un parche, en forma de media calabaza o también de caparazón de tortuga.

Otros instrumentos que se existieron en la Antigua Mesopotamia, fueron La Flauta, Las Chirimías dobles, Las Trompetas Rectas y en Espiral, Las Sonajas, etc.

En la Mesopotamia, los músicos llegaron a ser tan importantes, que se les perdonaba la vida tras ser capturados en una batalla. Eran después de los reyes y sacerdotes, las personas mas influyentes de la sociedad.

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ANTIGUO EGIPTO

La música en el Antiguo Egipto, se empleaba en varias actividades, pero su desarrollo principal fue en los templos, donde era usada durante los ritos dedicados a los diferentes dioses;  Como en otros pueblos, también se consideraba un medio de comunicación con los difuntos y los músicos alcanzaban una categoría tal que algunos están enterrados en las necropolis reales.

En los templos, se realizaban cultos diarios, en los que se recitaban textos sagrados, acompañados por la música  el canto era considerado como la forma de conexión con lo divino.
Los Egipcios, le daban mucha importancia al paso de la vida a la muerte, en gran parte su existencia se centraba en la " vida del mas allá , y por tanto, los ritos funerarios tenían un especial significado y eran acompañados por la música  a la que también se consideraba un medio de comunicación con los difuntos.

Se cree que usaron la escala pentatonica, extendida en Oriente, pero fue evolucionando hasta la escala de siete notas o pitagórica. Pitagoras, creador de nuestro sistema musical, estudio en Egipto, así que lo que nos transmitió puede proceder de los conocimientos que adquirió en la tierra de los faraones.

Otros instrumentos utilizados por los Egipcios, fueron:

Los Sonajeros de Cerámica en forma de fruto o huevo, con semillas en su interior como símbolo de fertilidad y maracas hechas de fibra vegetal











Las tablillas que chocan entre si. Las hechas de marfil producían un sonido agudo y las realizadas con madera tenían un sonido mas grave. Durante el Imperio Antiguo destacaban las tablillas hathoricas, con forma de mano y brazo.





ANTIGUA GRECIA 

La música de la Antigua Grecia, era un arte que se encontraba presente en la sociedad de forma casi universal: En las celebraciones, funerales, en el teatro, etc, a  través de  la música popular o mediante las baladas que representaban los poemas épicos.

En Grecia, aparecieron las primeras manifestaciones musicales descifrables y escritas que actualmente se conservan en manuscritos. Para los Griegos, la palabra " Música " proviene de la denominación de las Musas, las hijas de Zeus que, según la mitología Griega, inspiraban todas las actividades creativas e intelectuales.

La Música Griega era esencialmente homofona, como todas las músicas de la antigüedad. Los Griegos no consideraban musical la producción simultanea de dos melodías diferentes. Ademas, no conocían la armonía en el sentido moderno de la palabra. Cuando cantaban los coros, siempre era al unisono o a la octava y el aumento de un canto  a la octava, tal como se producía cuando se asociaban voces infantiles con voces de adultos, les parecía una compilación audaz. Los instrumentos que acompañaban las voces se contentaban con aumentar su parte; a veces sin embargo, añadían 
una "notacambiata"; Pero tales ornamentos o mezclas de sonidos no tenia, en ningún grado, el carácter o papel de nuestros contrapuntos o armonías modernas.

Todos los instrumentos utilizados para crear cualquier tipo de música, pueden ser divididos en tres categorías basadas en el modo en el que se produce el sonido: Cuerda, Viento y Percusión        ( Excluyendo los instrumentos electrónicos utilizados en la actualidad).

Algunos de los instrumentos de la Antigua Grecia son, La Lira, La Citara, El Aulos, La Flauta de Pan, El Hydraulis, La Corneta o Trompeta, etc.







ANTIGUA ROMA


La música, así como el arte en general, la ciencia y la filosofía, pasarían a ser una parte fundamental de la civilización romana. Pero Roma no aporto nada a la música griega; Simplemente se la hizo suya.

Tanto la tragedia como la música griega se consolidaron en la península, evolucionando a la manera romana. Adquirieron rasgos característicos que en ocasiones variaron la estética a la que había llegado la música en la civilización griega.

Las celebraciones musicales fueron de gran importancia en la Antigua Roma; Generalmente, se daban grandes fiestas a las que acudían numerosos músicos y coros, que hacían las delicias de los oyentes con sus melodías y sus cantos, ellos recorrían la ciudad para que todo el  mundo les pudiera oír.

La música tenía un papel imprescindible en las obras teatrales, pero al ir evolucionando ira abandonando la danza que en Grecia, estaba siempre presente y también, la poesía se separara progresivamente de la música quedando como un género puramente literario.  Las partes cantadas se acompañaban de tibiae, que podían ser simples o dobles. Las pares tenían igual afinación que las otras. Las tibiae impares estaban afinadas a octavas una de la otra. Al contrario de las representaciones en Grecia, en el teatro romano no tenía importancia el coro, aunque había algunas excepciones. Las partes recitadas o "deverbia", eran seguidas de partes cantadas o "cantica" por un solista o dúo. Durante los intermedios en los diferentes actos  se ofrecían interludios musicales a cargo del tibicen

Respecto a la instrumentación se aprecia un gran desarrollo de los instrumentos heredados de los etruscos, los griegos y de los de origen oriental; algunos de estos instrumentos son: La Tuba Romana, El Cuerno, La Buccina, El Lituus, La Tibiae, La Siringa, el Aulos, La Gaita, El Hydraulis, La Lira, La Citara, El Laúd, El Sistro, Los Crótalos, etc.


En cuanto a la escritura musical, adoptan las escalas tonales griegas y los principios de su acústica.
















ANTIGUA CHINA 

Desde los tiempos más antiguos, en China la música era tenida en máxima consideración. Todas las dinastías le dedicaban un apartado especial; Aun hoy en día, la música China esta empapada de la tradición secular, legendaria y misteriosa de una de las filosofías más antiguas del mundo.

En el teatro chino tradicional, la música juega un papel  fundamental anexo a las representaciones

Los Chinos creían, que la música expresaba el concierto del cielo y de la tierra y que producía la armonía entre los hombres y el espíritu.

La música China, difiere mucho de la occidental por su ritmo, compás, tono y adornos, que le dan su sonido inconfundible; Esto se debe ante todo al peculiar sonido y estilo interpretativo de los instrumentos musicales tradicionales de china

El legendario creador de la música, según la mitología china fue Ling Lun, quien hizo cañas de bambú de manera que sonaran como pájaros.

Los orígenes del arte de la música y la poesía se dan con el Shijing ( Libro de las Odas), antología de poemas antiguos, escritos en versos de cuatro palabras; La leyenda dice que fue el mismo Confucio quien selecciono y edito los 305 poemas que forman la obra.

En lugar de glorificar a dioses y héroes, como era costumbre en otras culturas, muchos de estos poemas cantan la vida diaria de los campesinos, sus tristezas y alegrías, sus ocupaciones y fiestas.

Los poemas cortesanos se cantaban y acompañaban con danzas, la poesía y la música china, han estado unidas desde tiempos remotos.

En la China Antigua, los chinos conocían la escala de cinco notas llamada Pentatonica y cuyo efecto era posiblemente, el que se obtiene al tocar las notas negras del piano; También utilizaban otros instrumentos musicales, los cuales tradicionalmente estaban divididos en ocho categorías, los así denominados ocho sonidos, de acuerdo al material con que estaban hechos.



1. Instrumentos de Metal,  están hechos de bronce con estaño. Los mas representativos son las campanas de bronce, címbalos y el gong.

2. Instrumentos de Piedra, Están hechos de mármol o jade, mientras mas dura sea la piedra, mas vibrante y estridente sera el sonido. El mas representativo es el Tsin o Litofono.

3. Instrumentos de Seda, Son instrumentos hechos con cuerdas de seda; los mas representativos son el Violín Chino o Chin, el Arpa o su, la Citara o Zheng, el Laúd bajo yuanhsien, etc.

4. Instrumentos de Bambu, Los principales instrumentos musicales hechos de bambú, son la flauta vertical o Hsiao, La flauta horizontal o ti y el oboe cilíndrico o Kuan.

5. Instrumentos de Calabaza, Existe un tipo de calabaza llamada pao-kua, cuyo cascaron seco era usado en tiempos antiguos para hacer instrumentos musicales. En esta categoría tenemos el Yu y el Sheng.

 6. Instrumentos de Arcilla, Entre los instrumentos musicales chinos hechos de arcilla, se destacan principalmente el Hun y el Fu.

7. Instrumentos de Cuero, Entre los instrumentos musicales hechos con cuero de animales se destaca el Tambor o ku.

8. Instrumentos de Madera, Los principales instrumentos musicales hechos con madera son, el Chu, el Wu y el Pai-pan


                                    EDAD MEDIA

La Edad Media, abarca un largo periodo que comienza con la caída del Imperio Romano, del 476 D.C al al 1500).

En la Edad Media, la música estuvo muy vinculada a la religión. La Iglesia Católica se convierte en el eje fundamental de la sociedad medieval; Los Monasterios fueron los centros del saber y la cultura; El Canto Gregoriano, sera durante gran parte de ese periodo, la música que gobernara todos los territorios, este era una forma de oración de los monjes entonada, estos la cantaban al unisono, por eso se llamo Monodia.

En la Iglesia del Antiguo Imperio Romano, en cada lugar se realizaba una liturgia con cantos diferentes. El Papa Gregorio Magno, realizo una unificación de los cantos que se daban en las diferentes liturgias, razón por la cual, este tipo de canto recibirá el nombre de Canto Gregoriano.

Las Características del Canto Gregoriano son:

1. Se canta en Latín, ya que es una música destinada al servicio de la Liturgia.

2. Es un canto a capella, no tiene acompañamiento instrumental.

3. Es un canto colectivo.

4. Los cantos son anónimos.

5. Su texto es de contenido religioso.

6. El ritmo es libre, ya que esta determinado por la expresión y acentuación del texto.

7. Es de ámbito melódico reducido: no tiene grandes saltos

En resumen, la finalidad del Canto Gregoriano, es alabar a Dios, destacar su palabra reforzando la oración en el canto.

Aunque la música religiosa, es la que mas importancia va a tener durante la Edad Media, bien es cierto que existió otro tipo de música, que no tenia ninguna relación con la religión, estamos hablando de la música profana. Este tipo de música, era mas cercana al pueblo: eran los Cantos y las danzas que ofrecían los Juglares y los Trovadores, para entretener a los villanos y a los nobles.

Los Juglares, desarrollaban sus actividades en las calles, plazas y pueblos y Los Trovadores, en los palacio y las cortes.

Los Textos de la música profana, generalmente estaban escritos en lengua vulgar y giraban en torno a temas de amor, de gesta o de parodia; La música instrumental, se interpretaba en las fiestas populares y en las de la corte, para acompañar las danzas.

Poco a poco, la música fue evolucionando y se fueron añadiendo mas voces para formar una melodía, lo que dio lugar a la POLIFONIA: Canto alternado entre distintos grupos de voces.


La música, se enriqueció con esta nueva forma y fue usada tanto en la música religiosa como en la popular.

Algunos de los instrumentos musicales que se utilizaron en la Edad Media fueron, La Dulzaina, El Arpa, El Salterio, El Organistrum, El Rabel, La Fidula, etc.

RENACIMIENTO

La Época del Renacimiento, Comprende entre los años 1500 al 1600. Esta tiene como idea fundamental, el culto al hombre como protagonista absoluto de la vida y de la historia.

La corriente del pensamiento en torno a la cual gira el Renacimiento se conoce con el nombre de humanismo, la cual considera al hombre como el centro del universo.

Las cualidades que definen la música renacentista son:

1. Es música polifónica, normalmente contrapuntista

2. La polifonia, se va a emplear tanto en la música religiosa como la profana.

3. El ritmo es regulado por lo que se llama " tactus", es decir, esta determinado por la declamación del texto que se canta.

4. Igual que en el Gregoriano, la letra es fundamental: se da mas expresión a las palabras y a su contenido

La música del Renacimiento, se puede dividir en Profana y Religiosa; Dentro de esta ultima, distinguimos la Católica, ( impulsada por el Concilio de Trento) y la Protestante ( por Lutero )

Una segunda división seria según el desarrollo cronológico y geográfico, en el que habría que distinguir las siguientes escuelas: Francoflamenca, Italiana, Española, Alemana, Francesa e Inglesa.

La música Renacentista, se caracteriza por una suave sonoridad que se deriva de la aceptación de la tercera como intervalo armónico consonante            ( uniéndose en esta categoría a quintas y octavas     ( ya admitidas en la Edad Media) y del progresivo aumento del numero de voces, todas de igual importancia y regidas por las  reglas del contrapunto: independencia de las voces, preparación y resolución de las distancias, uso de terceras y sextas paralelas, exclusión de las quintas y octavas paralelas, etc.

Uno de los compositores mas destacado del Renacimiento fue, Josquin Des Pres.

Otros compositores destacados de la época del Renacimiento fueron, Giovanni Pierluigi  Da Palestrina, Orlando Di Lasso, Tomas Luis de Victoria, entre otros.

BARROCO

La Música Barroca, es el estilo musical Europeo, relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la opera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750.

El termino Barroco, se tomo de la arquitectura, donde designaba algo "retorcido" una construcción  " pesada, elaborada, envuelta"; En el siglo XVIII se uso en sentido peyorativo para describir las características del genero musical del siglo anterior, que se consideraba " tosco, extraño, áspero y anticuado"

La época Barroca, fue una de las épocas musicales mas largas, fecundas y revolucionarias de la música occidental, así como la mas influyente. Su característica mas notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales.

El estilo Barroco, es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta Europea, antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo.

Esta música se caracteriza por la aparición de la tonalidad y el   uso del bajo continuo, la barroca fue la época en la que se crearon formas musicales como la Sonata, el Concierto y la Opera. 

Durante el Barroco, los músicos siguen cultivando texturas heredadas del Renacimiento, pero las voces de dichas obras no son iguales o similares, sino que se destaca la voz superior, reduciéndose la escritura de las demás al llamado bajo continuo; esta textura se llama monodia acompañada.

La emancipación de la música instrumental respecto de la vocal conduce a una clara separación entre géneros instrumentales y géneros vocales. La música instrumental alcanzo pronto su madurez con la creación de formas como la sonata, el concierto y la suite, de gran trascendencia posterior.

Los géneros vocales eran divididos ya en la época entre teatrales y religiosos: entre los primeros se cuenta la gran creación del Barroco musical, la opera, mientras a los religiosos se adscriben formas nuevas como el oratorio y la cantata, junto a antiguas como el motete y la misa.

La inmensa mayoría de los compositores de la época barroca, trabajaban al servicio de mecenas pertenecientes a la alta aristocracia o al alto clero: reyes, príncipes alemanes, cardenales, arzobispos o instituciones religiosas de posibles ( como catedrales o conventos notables). Solían completar sus ingresos con la edición y venta de sus propias obras impresas. En todos los casos eran interpretes que tocaban y dirigían sus propias obras, compuestas en general para las funciones indicadas por su patrón: liturgia, música de cámara, música ceremonial, etc.

Uno de los compositores mas destacados de la época Barroca, fue Claudio Monteverdi.

Otros principales exponentes de la música en el periodo Barroco fueron: Antonio Lucio Vivaldi, Georg Friedrich Handel, Giovanni Gabrieli, Girolamo Frescobaldi, Giovanni Legrenzi, Arcangelo Corelli, Heinrich Schutz y Johann Sebastian Bach, entre otros.

CLASICISMO

El Clasicismo, es el estilo de la música culta europea desarrollado aproximadamente entre 1750 y 1820; Se caracteriza por la claridad de las texturas, la simetría de las frases, la consolidación de la tonalidad plena y el establecimiento de las formas musicales clásicas ( sinfonía, sonata, cuarteto....)

Música Clásica, se dice en general para todos los periodos de la música culta europea, pero las primeras composiciones llamadas clásicas, fueron las de este periodo.

La música clásica, esta impregnada del humanismo ilustrado que quiere mostrarse elegante y agradable a todos, por lo que triunfa un melodismo externamente sencillo,  pero que recoge un trabajo racional acorde con la filosofía del momento. 

Las cualidades fundamentales del Clasicismo, son el Equilibrio, la Sencillez y la Armonía. La música, durante este periodo, se basaba precisamente en estos principios.

Algunas características de la música en este periodo son:

• Composiciones objetivas, que buscan el ideal de la belleza mediante el equilibrio formal.
• Linea melódica de carácter predominante sobre la armonía, destacando claramente sobre un acompañamiento armónico de acordes, y prescindiendo del bajo continuo del Barroco.
• Estilo alegre y brillante.
• Ritmo regular dentro de una sencillez natural.
• Armonía poco compleja y eminentemente consonante
•  Aparición de nuevos timbres y matices como consecuencia del mayor perfeccionamiento de la orquesta.
• Predominio total de la música instrumental.
• Mayor "democratizacion" de la música, al hacerse extensiva a un publico mas numeroso.

El periodo clásico, también es marcado por la desaparición del clavicémbalo y el clavicordio, en favor del nuevo piano, que a partir de ese momento se convirtió en el instrumento predominante para la interpretación en teclado y composición.

Unos de los compositores mas destacados de esta época fueron, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig Van Beethoven, Joseph Haydn.

ROMANTICISMO

El Romanticismo, fue un periodo que transcurrió, aproximadamente entre principios de los años 1820 y 1900. El Romanticismo musical, es un periodo de la música académica, que fue precedido por el Clasicismo y seguido por el Impresionismo. 

El Romanticismo, como movimiento global en las Artes y la Filosofía, tiene como precepto que la verdad no podía ser deducida a partir de axiomas, en el mundo había realidades inevitables, que solo podía captar mediante la emoción, el sentimiento y la intuición, La música del Romanticismo, intentaba expresar estas emociones.

A diferencia del Clasicismo, se lucho por lograr una creación artística libre, que diera cauce a los sentimientos humanos y a la inspiración del autor, es decir, sin respetar las reglas de composición como en el clásico.

El periodo del Romanticismo, fue un movimiento cultural y político que se origino en Europa como una reacción al racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, dándole importancia al sentimiento.  Su característica fundamental es la ruptura con la tradición, con el orden y con la jerarquía de valores culturales y sociales imperantes. La libertad autentica es su búsqueda constante, por eso su rasgo revolucionario es incuestionable. 

Las características mas importantes del Romanticismo son:

• Tiene composiciones intimas y humanas.
• No se preocupan tanto por la forma externa y se preocupan mas por la inspiración y forma expresiva.
• Tiene una melodía apasionada e intensa y calurosa expresión de los sentimientos.
• Con frases melódicas poco regulares y simétricas, desaparece la frase cuadrada.
• Tiene ritmos complejos y libres, casi llegando a la polirritmia.
• Posee un enriquecido armónico, basado en nuevos acordes y nuevos recursos para la modulación
• Buscan contrastes musicales que puedan sugerir sentimientos a través de matices dinámicos.
• Se predomino la música instrumental sobre la vocal 
• La orquesta con mas músicos y las obras de mas duración.
• Crean el poema sinfónico
• Tienen preferencia por el piano y el violín, y recuperan el arpa y la guitarra.
• Predomina el gusto por lo natural, extraño y oscuro.
• Le dan importancia al instrumentista virtuoso
• Aparecen nuevos instrumentos como el saxofón, la tuba y el vibrafono.

El romanticismo esta ligado a una situación en la que el hombre europeo busca la huida de la realidad, pues el pueblo siente que las revoluciones han sido un fracaso y todo sigue igual. La música entonces, surge como medio de huida y, al mismo tiempo, como forma de expresión de todos los sentimientos del hombre romántico.

Predomino para esta época el anhelo de expresar los sentimientos sin trabas.

Lo mas notorio de este movimiento, es la libertad con que el compositor elige sus temas, y el origen de los mismos. El mayor de los dones en este periodo fue la forma Sonata-Sinfonía Clásica. 

El Piano, se constituye en protagonista instrumental del movimiento y en confidente de los apasionados suenos de los autores. Se cultivan la espectacularidad y el virtuisismo tanto del interprete como del creador que exige a la orquesta una respuesta absoluta. Es el momento del interprete, del solista. Los divos son endiosados y se espera con ansiedad su llegada, porque ha nacido el concierto publico en la forma en que hoy se conoce. Surge la música de salón.

Siguiendo las huellas de Beethoven, prácticamente todos los músicos de este periodo van a expresarse con la Sinfonía Romántica.

Los compositores mas destacados de esta época fueron: 

Frédéric Chopin

(Fryderyk Franciszek Chopin; Zelazowa Wola, actual Polonia, 1810-París, 1849) Compositor y pianista polaco. Si el piano es el instrumento romántico por excelencia se debe en gran parte a la aportación de Frédéric Chopin: en el extremo opuesto del pianismo orquestal de su contemporáneo Liszt –representante de la faceta más extrovertida y apasionada, casi exhibicionista, del Romanticismo–, el compositor polaco exploró un estilo intrínsecamente poético, de un lirismo tan refinado como sutil, que aún no ha sido igualado. Pocos son los músicos que, a través de la exploración de los recursos tímbricos y dinámicos del piano, han hecho «cantar» al instrumento con la maestría con qué él lo hizo. Y es que el canto constituía precisamente la base, la esencia, de su estilo como intérprete y como compositor.

Hijo de un maestro francés emigrado a Polonia, Chopin fue un niño prodigio que desde los seis años empezó a frecuentar los grandes salones de la aristocracia y la burguesía polacas, donde suscitó el asombro de los asistentes gracias a su sorprendente talento. De esa época datan también sus primeras incursiones en la composición.

Chopin, es considerado como el primer gran maestro del piano romántico y símbolo del músico de esta época. Con un lenguaje armónico, rico y revolucionario, sus composiciones mas típicas van a ser esas "pequeñas" obras del romanticismo: Nocturnos, Mazurcas, Polonesas, Polcas, etc. Huye de la extensión. En sus obras se ve el lenguaje típico del hombre romántico, lo sentimental, lo intimo, lo guerrero, lo heroico, lo exaltado.

Robert Schumann

(Zwickau, actual Alemania, 1810-Endenich, id., 1856) Compositor alemán. Tanto su vida como su obra lo convierten en uno de los paradigmas del Romanticismo musical alemán. Hijo de un librero, la literatura y la música compartieron sus inquietudes artísticas durante su juventud, hasta el punto de que Schumann estuvo dudando entre ambas vocaciones.

Aunque acabó imponiéndose la música, nunca abandonó la escritura de poemas en la más pura tradición romántica, la de sus admirados Goethe, Schiller, Novalis, Byron y Hölderlin. Fue, además, fundador y redactor de la Neue Zeitschrift für Musik (1834), publicación que se convirtió en el órgano difusor de las teorías musicales más progresistas de su época, a través de una serie de artículos apasionados y polémicos redactados por él mismo.

Schumann, gran genio del romanticismo alemán, compone 4 sinfonías que siguen el esquema de Beethoven, con una gran riqueza rítmica. Algunas de sus obras son: El Carnaval, Carnaval de Viena y Álbum de la Juventud. Realiza estas obras con un lenguaje personal y fantástico, con ritmos insistentes o monorritmos, sin despreciar la melodía, que también es uno de sus elementos mas ricos y bellos. 

Su obra supone una de las cumbres del romanticismo y destaca por el espléndido tratamiento del piano y de la voz. De su obra orquestal se destacan sus sinfonías (segunda, de 1845-1846; tercera o Renana,de 1850; y cuarta, de 1841), el Concierto para piano(1841-1845), el Concierto para violoncelo (1850) y elConcierto para violín (1853). De su música de cámara son interesantes el primer trío en re menor (1847), el primer cuarteto en la menor (1842), los Escenas de cuentos para viola o violín y piano (1851), las dos sonatas para violín y piano (1851), las Cinco piezas en tono popular para violoncelo y piano (1849) y lasFantasías para clarinete y piano (1849).

Franz Liszt

(Raiding, actual Hungría, 1811-Bayreuth, Alemania, 1886) Compositor y pianista húngaro. Su vida constituye una de las novelas más apasionantes de la historia de la música. Virtuoso sin par, durante toda su trayectoria vital, y sobre todo durante su juventud, se rodeó de una aureola de artista genial, violentamente escindido entre el arrebato místico y el éxtasis demoníaco.

Paradigma del artista romántico, fue un niño prodigio que llegó a provocar el entusiasmo del mismo Beethoven, músico poco dado por naturaleza al elogio. Alumno en Viena de Carl Czerny y Antonio Salieri, sus recitales causaron sensación y motivaron que se trasladara con su padre a París, donde en 1825 dio a conocer la única ópera de su catálogo,Don Sanche, ou Le Château d’amour, fríamente acogida por un público que veía en el pequeño más un prodigioso pianista que un compositor.

Su aportación a la historia de la música puede resumirse en dos aspectos fundamentales: por un lado amplió los recursos técnicos de la escritura y la interpretación pianísticas, y por otro dio un impulso concluyente a la música de programa, aquella que nace inspirada por un motivo extra musical, sea éste literario o pictórico. Padre del poema sinfónico, su influencia en este campo fue decisiva en la obra de músicos posteriores como Smetana, Saint-Saëns, Franck o Richard Strauss. No menos interés tiene la novedad de su lenguaje armónico, en cuyo cromatismo audaz se anticipan algunas de las características de la música de su amigo y más adelante yerno Richard Wagner e, incluso, de los integrantes de la Segunda Escuela de Viena. Todas estas características hacen de Liszt un músico revolucionario.

Franz Listz, fue famoso en toda Europa por sus facultades increíbles y su técnica revolucionaria para el piano. Entre sus obras se destacan: Estudios de Ejecución Trascendental, Años de Peregrinaje, Armonías Poéticas y Religiosas.

Franz Schubert

(Himmelpfortgrund, actual Austria, 1797-Viena, 1828) Compositor austríaco. Nacido en las proximidades de la misma Viena que acogió a Haydn, Mozart y Beethoven, a menudo se le considera el último gran representante del estilo clásico que llevaron a su máximo esplendor esos tres compositores y uno de los primeros en manifestar una subjetividad y un lirismo inconfundiblemente románticos en su música.

El lied para canto y piano, uno de los géneros paradigmáticos del Romanticismo, encontró en él a su primer gran representante, cuyas aportaciones serían tomadas como modelo por todos los músicos posteriores, desde Robert Schumann hasta Hugo Wolf y Gustav Mahler.

Hijo de un modesto maestro de escuela, Schubert aprendió de su padre la práctica del violín y de su hermano mayor, Ignaz, la del piano, con tan buenos resultados que en 1808, a los once años de edad, fue admitido en la capilla imperial de Viena como miembro del coro y alumno del Stadtkonvikt, institución ésta en la que tuvo como maestro al compositor Antonio Salieri. La necesidad de componer se reveló en el joven Schubert durante estos años con inusitada fuerza, y sus primeras piezas fueron interpretadas por la orquesta de discípulos del Stadtkonvikt, de la que él mismo era violinista.

Los ciclos La bella molinera y Viaje de inviernoconstituyen quizás la cima de su genio en este campo, a los que hay que sumar títulos como El caminante, La trucha, A la música, La muerte y la doncella, o el celebérrimo Ave Maria. A pesar de la belleza de estas composiciones y de la buena acogida que encontraron entre el público, la vida de Schubert discurrió siempre en un estado de gran precariedad económica, agravada considerablemente a partir de 1824 por los primeros síntomas de la enfermedad que acabaría prematuramente con su existencia.

Admirado en un círculo muy restringido, la revalorización del compositor se llevó a cabo a partir de su muerte: obras inéditas o que sólo se habían interpretado en el marco familiar, empezaron a ser conocidas y publicadas, y defendidas por músicos como Robert Schumann o Felix Mendelssohn. Es, sobre todo, el caso de su producción instrumental madura, de sus últimas sonatas para piano, sus cuartetos de cuerda y sus dos postreras sinfonías, a cuyo nivel sólo son equiparables las de Beethoven.

Felix Mendelssohn

(Hamburgo, 1809 - Leipzig, actual Alemania, 1847) Compositor, pianista y director de orquesta alemán. Robert Schumann, definió a Felix Mendelssohn como «el Mozart del siglo XIX, el músico más claro, el primero que ha sabido ver y conciliar las contradicciones de toda una época». No le faltaba razón: su música, de una gran perfección técnica y formal, es una espléndida síntesis de elementos clásicos y románticos. Romántico que cultivaba un estilo clásico o clásico que reflejaba una expresividad romántica, Mendelssohn fue uno de los músicos más influyentes y destacados del romanticismo.

Segundo de cuatro hermanos, nació en el seno de una familia de banqueros de origen judío, que se había convertido al protestantismo. Niño prodigio, pronto dio muestras de un inusitado talento no sólo para la música, sino también para el dibujo, la pintura y la literatura. Sus dotes fueron estimuladas por un ambiente familiar en el que siempre se alentaron las manifestaciones artísticas.

Alumno de composición de Carl Friedrich Zelter –a través del cual conoció al gran Goethe–, los primeros trabajos de Mendelssohn en este terreno se tradujeron en doce sinfonías para cuerda, algunas pequeñas óperas, un Octeto para cuerda y la oberturaEl sueño de una noche de verano. Estas dos últimas obras marcan el inicio de su madurez como compositor.

Fue, además, un buen intérprete de violín, viola y piano, facetas a las que más tarde se añadiría la de director de orquesta. En este ámbito, una de sus primeras y más recordadas actuaciones tuvo lugar en 1829, cuando interpretó en Berlín la Pasión según san Mateo, de Bach, en un concierto que supuso la recuperación de esta obra después de un siglo de olvido. Bach, junto con  Mozart y Haendel,  constituiría uno de los pilares de su estilo.

Pocos años más tarde, en 1835, le fue confiada la dirección de la orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, cargo que ejerció hasta su prematura muerte. Su hermana Fanny Mendelssohn (1805-1847) fue también compositora de talento, autora de valiosos lieder y piezas para piano.

Johannes Brahms

(Hamburgo, 1833-Viena, 1897) Compositor alemán. En una época en que la división entre partidarios y detractores de Richard Wagner llegó a su grado más alto, la figura de Brahms encarnó para muchos de sus contemporáneos el ideal de una música continuadora de la tradición clásica y de la primera generación romántica, opuesta a los excesos y las megalomanías wagnerianos.

No por ello cabe considerarlo un músico conservador: como bien demostró en las primeras décadas del siglo XX un compositor como Arnold Schönberg, la obra del maestro de Hamburgo se situaba mucho más allá de la mera continuación de unos modelos y unas formas dados, para presentarse cargada de posibilidades de futuro. Su original concepción de la variación, por ejemplo, sería asimilada provechosamente por los músicos de la Segunda Escuela de Viena.

Respetado en su tiempo como uno de los más grandes compositores y considerado a la misma altura que Bach y Beethoven, con los que forma las tres míticas «B» de la historia de la música, Brahms nació en el seno de una modesta familia en la que el padre se ganaba la vida tocando en tabernas y cervecerías. Músico precoz, el pequeño Johannes empezó pronto a acompañar a su progenitor al violín interpretando música de baile y las melodías entonces de moda.

Siguiendo los pasos de Beethoven, en 1869 Brahms fijó su residencia en Viena, capital musical de Europa desde los tiempos de Mozart y Haydn. Allí se consolidó su personal estilo, que, desde unos iniciales planteamientos influidos por la lectura de los grandes de la literatura romántica alemana y cercanos a la estética de Schumann, derivó hacia un posicionamiento más clásico que buscaba sus modelos en la tradición de los clásicos vieneses y en la pureza y austeridad de Bach.

Brahms, que al principio de su carrera se había centrado casi exclusivamente en la producción pianística, abordó entonces las grandes formas instrumentales, como sinfonías, cuartetos y quintetos, obras todas ellas reveladoras de un profundo conocimiento de la construcción formal. A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, y al igual que su rival Bruckner, fue partidario de la música abstracta y nunca abordó ni el poema sinfónico ni la ópera o el drama musical. Donde se advierte más claramente su inspiración romántica es en sus numerosas colecciones de lieder. En el resto de su producción, de una gran austeridad y nobleza de expresión, eludió siempre cualquier confesión personal.

Anton Bruckner

(Ansfelden, Austria, 1824-Viena, 1896) Compositor y organista austriaco. Nacido en el seno de una familia de maestros de escuela, parecía destinado a seguir la misma profesión, a la que se dedicó entre 1841 y 1855, compaginándola con la función de organista. Su habilidad como intérprete le valió en 1856 el nombramiento de maestro de órgano de la catedral de Linz. En esta ciudad descubrió la música de Beethoven y Wagner, que le reveló un universo expresivo insospechado. Su Sinfonía n.º 1 (1866) fue el fruto de esta revelación. A partir de ella, Bruckner fue forjando un estilo definido y personal, después de unas primeras composiciones influidas por la anticuada tradición clásica en la que se había educado. Ocho nuevas sinfonías, la última inacabada, siguieron a ésta. Incomprendidas en su tiempo, expresan el amor a la naturaleza y la profunda fe del compositor, al tiempo que constituyen una original síntesis entre la más atrevida armonía romántica y la tradición contrapuntística más severa. Su obra ejerció una gran influencia sobre Gustav Mahler.

IMPRESIONISMO

La música impresionista es la tendencia musical que surgió en Francia a finales del siglo XIX. El nombre Impresionismo ya se usaba antes para denominar a la pintura de los años 1860 - 1940, ya que las características de ambas artes eran muy similares. Los dos únicos autores a los que podemos llamar impresionistas en aquella época son Claude Debussy y Deodat de Severac, aunque este último no está tan reconocido como gran parte de autores posteriores. Sin embargo, Claude Debussy es el autor impresionista más notorio, junto con el también francés Maurice Ravel.

La música, ya dotaba de complejos sistemas armónicos desde la Antigua Grecia, donde se usaban aproximadamente 7 escalas. Estas escalas pasaron de Grecia a Roma y sucesivamente a la Iglesia Catolica.  Estas eran frecuentemente utilizadas en el canto llano y en la música medieval. Pero al llegar el período barroco, solo se conservaron dos de estas escalas (con sus respectivas variaciones): la escala mayor (o jónica) y la menor (o eólica). Pero los años pasaron, y al llegar el posromanticismo, autores como Gabriel Faure o Camille Saint – Saens experimentaron con estas escalas y con el timbre (aspecto que más tarde sería esencial en el impresionismo) de una manera pionera, pero sin profundizar demasiado.

A finales del siglo XIX, la vanguardia y el progreso nunca habían tenido tanta repercusión, tanto en política y en sociedad como en el ámbito artístico. En música, como en pintura, surgió el impresionismo, la libertad absoluta armónica y ritmicamente (respetando unos parámetros previamente fijados, pero manipulables en cualquier momento) y la experimentación fueron las dos características principales de este movimiento. Sin duda, Claude Debussy es el en gran parte creador, y autor por excelencia del impresionismo, y Francia la cuna de este movimiento.

El impresionismo, tanto en música como en otras artes, surge a partir de la idea de expresar las ideas de una manera en cierto modo insinuada. 

Algunas Características de la Música Impresionista son :

• Un Tempo más libre, y con capacidad de un rubato a gusto del intérprete (siempre respetando las indicaciones del autor).
• Utilización de los modos, introduciendo numerosas variaciones de cada uno, e incluso inventándolos (como en la obra Syrinx para solo de flauta, de Claude Debussy ).
• Experimentar con el timbre, convirtiendo a este en el factor más importante de la música impresionista. De esta manera, se conseguían efectos nunca vistos antes en la música. El preludio de , Claude Debussy  La Cathédrale Engloutie es un claro ejemplo de los diferentes timbres y sensaciones que pueden escucharse en una misma obra, interpretado aquí por Maurizio Pollini.

Autores como autores como Gabriel Faure o Camille Saint – Saens  se atrevieron a experimentar con la música de su época, y a crear algo diferente a las obras de entonces. Pero fue Claude Debussy   el primero en crear una música totalmente diferente a la anterior, y nunca antes escuchada.

El principal representante de la música impresionista es: 

Claude Debussy

(Claude Achille Debussy; St. Germain-en-Laye, 1862 - París, 1918) Compositor francés. Iniciador y máximo representante del llamado impresionismo musical, sus innovaciones armónicas abrieron el camino a las nuevas tendencias musicales del siglo XX.

Ya en su niñez había iniciado el estudio del plano en su hogar; sin embargo, no pensaba entonces en la carrera musical. Fue una antigua discípula de Chopin, la señora Manté de Fleurville, quien intuyó la vocación del muchacho e indujo a sus familiares a cultivarla. De esta forma, Debussy ingresó en 1873 en el Conservatorio de París; allí tuvo por maestros, entre otros, a Lavignac, a Marmontel y, en composición, a Ernest Guiraud.

Grato paréntesis en sus estudios fue, en el verano de 1880, su empleo de acompañante como pianista de cámara y profesor de piano de los hijos de una rica dama rusa, Nadesda von Meck, protectora de Chaikovski y fanática de su música, en sus viajes a través de la Francia meridional, Suiza e Italia. Esto le permitió conocer a Wagner. Debussy vio renovado el empleo en los veranos siguientes, posiblemente hasta 1884, y entonces visitó Moscú, donde pudo establecer cierto contacto con la música del "grupo de los Cinco".

En el Conservatorio había adquirido fama de músico revolucionario; sin embargo, en 1884 logró el "Prix de Rome" con la cantata El hijo pródigo, que presenta al joven compositor aún envuelto en la amable sensualidad melódica propia del gusto de Massenet, pero también capaz de esbozar un aria perfecta en su género, como la de Lía.

Las obras líricas para canto y piano son las composiciones que permiten seguir mejor la evolución lógica del artista desde un formalismo melódico de gusto un tanto aburguesado hasta la creación de una prosa poética intensamente evocadora; así,Arietas olvidadas (1888), Cinco poemas de Baudelaire(1890), Fêtes galantes (1892 y 1904), Prosas líricas(1893) y Tres canciones de Bilitis (1898). De tal forma se forjó el nuevo lenguaje musical y dramático que le permitió aportar una solución personal al problema de la ópera con Pelléas et Mélisande, sobre texto de M. Maeterlinck y representada en la Opéra-Comique el 30 de abril de 1902 (su composición había durado diez años); el éxito fue muy discutido y sólo con gran lentitud la ópera llegó a conquistar el puesto que le correspondía en la historia de la música, como etapa básica en el desarrollo del teatro musical.

Otros compositores de esta época, son : Isaac Albeniz, Manuel de Falla, Maurice Ravel, Erik Satie, Joaquin Turina, entre otros .

MODERNO

La música modernista, se refiere a la música de la tradición europea escrita        ( o música clásica ) , elaborada aproximadamente entre 1911 y 1975.

La música modernista, esta basada en los valores filosóficos y estéticos del modernismo, el cual tienen como principio principal la ruptura con la tradición y la permanente innovación.

Debido a esto, esta estrechamente ligada al vanguardismo. A  diferencia de los periodos anteriores, prácticamente todos los compositores de este periodo, participaron en varios movimientos musicales diferentes, ya sea simultáneamente o por etapas.

Se da el nombre de modernismo, a una serie de movimientos basados en el concepto de que, siendo el siglo XX una época de fundamentales cambios sociales y tecnológicos, el arte debe adoptar y desarrollar estos principios como fundamento estético. El modernismo toma el espíritu progresista de fines del siglo XIX y su apego por el rigor del avance tecnológico, por lo que lo despega de las normas y formalismos del arte de la época y la tradición. De esta manera la característica principal del modernismo es la pluralidad del lenguaje, entendiendo que ningún lenguaje musical en particular asumió una posición dominante. 

Técnicamente hablando el modernismo musical tiene tres características principales que lo distinguen de las períodos anteriores:

* La expansión o abandono de la tonalidad.

* El uso de las técnicas extendidas.

* La incorporación de sonidos y ruidos novedosos en la composición.

El modernismo musical, es una reacción contra el romanticismo, caracterizada por una subjetividad emotiva; Supone la vuelta a un arte mas objetivo y racional. A pesar de ello, los compositores no se someten a unas normas fijas, es por lo mismo, un arte independiente en el que los creadores dependen de su ingenio, en el sentido de poder decir que no hay una escuela propiamente modernista.

En el modernismo musical, los instrumentos se revalorizan tratando de sacar a los mismos su propia sonoridad, haciendo de ellos los protagonistas de las composiciones, siendo el resto acompañamiento del instrumento elegido: Flauta, Piano, Arpa....

En el modernismo, renace la música de cámara y disminuye las música vocal y coral, especialmente en la música profana, pero no en la religiosa. 

Algunos compositores de la musica moderna son:

Patrick Bruce Metheny  

Es un guitarrista estadounidense de jazz, reconocido como uno de los más grandes músicos de este género  Ha ganado innumerables premios y reconocimientos, entre ellos 20 Grammy.

Nació en Lee's Summit, Missouri ( Estados Unidos ) el 12 de Agosto de 1954, en una familia de músicos. Empezó a tocar la trompeta a los 8 años por influencia de su hermano Mike Metheny, pero se cambió a la guitarra a los 12. A los 15 estaba trabajando con los mejores músicos de jazz en Kansas City, y adquiriría así valiosa experiencia en los escenarios a una muy temprana edad. Recibió una beca para estudiar música en la University of Miami, y posteriormente en Boston, donde llegó a ser profesor de la Berklee College of Music (una de las escuelas de música con más prestigio de todo el mundo), dando clases a alumnos como Mike Stern o Al DiMeola. Allí conoce a Gary Burton, que le incorporó a su banda durante 3 años, mostrando ya su forma de tocar moderna, pero conectando con el jazz más tradicional, swing y blues. A lo largo de su carrera, Pat Metheny ha seguido redefiniendo el género usando nuevas tecnologías y trabajando constantemente para evolucionar el potencial de su instrumento.

En 1976, edita su primer álbum instrumental, Bright Size Life con el genial Jaco Pantouris, (nombre original John Francis Pastorius) al fretless bass fender (bajo sin trastes), reinventando el tradicional sonido de guitarra de jazz. Un año más tarde conoce a Lyle Mays con el que tras grabar un disco, decide montar un grupo: El Pat Metheny Group. 

John Lennon

(Liverpool, 1940 - Nueva York, 1980) Cantante y músico británico, fundador del mítico grupo The Beatles, un cuarteto que formó en la ciudad de Liverpool junto a Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr y que se ha convertido en una referencia indiscutible de la historia de la música moderna. John Winston Lennon nació en Liverpool el 9 de octubre de 1940, mientras los aviones nazis bombardeaban la ciudad. Su padre, llamado Alfred, era un marino que visitaba poco el hogar, hasta que desapareció por completo. Luego fue su madre, Julia Stanley, la que desapareció, dejando el niño al cuidado de una hermana suya llamada Mary.

Fue ella quien enseñó a John los primeros acordes en un viejo banjo del abuelo de éste. Liverpool era entonces una ciudad portuaria que se hallaba en plena decadencia. Con una población heterogénea, la vida allí no deparaba grandes alegrías. Sin embargo, el constante trajín originado por el tráfico marítimo también tenía sus ventajas: en el equipaje de los marinos procedentes del otro lado del océano llegaban abundantes discos de country y rhythm and blues, que se incorporaban inmediatamente a la innata afición de los liverpoolianos por la música.

El 8 de diciembre de 1980, las balas asesinas de un adorador perturbado terminaron con su vida y lo convirtieron, si es que aún no lo era, en un dios de la modernidad. El escritor Norman Mailer afirmó: "Hemos perdido a un genio del espíritu". Como reacción inmediata a su muerte, los seguidores de Lennon llevaron póstumamente "Imagine" al número uno de las listas. Nunca tal número de seres humanos habían llorado tanto al escuchar una canción.

LA MUSICA DEL SIGLO XXI

La música de los comienzos del siglo XXI es una amalgama de tendencias divergentes y hasta contrapuestas en las que resulta difícil encontrar un hilo conductor. Frente a la nueva complejidad, sin duda heredera del estructuralismo, se encuentran nuevas simplicidades, corrientes místicas, neopoéticas, el fenómeno del borrowing o música sobre músicas como reflejo de la intertextualidad y la interculturalidad y los intentos más o menos logrados de fusión, así como las músicas sónicas y del paisaje sonoro. Todo ello, en un contexto sociológico, el de la cultura de masas, en el que la música de investigación creativa se diferencia netamente de otros productos musicales de consumo. Probablemente, sólo la cercanía haga aparecer como caótico un proceso que seguramente es mucho más coherente.

Así, el rock, el punk, el pop, el grunge o el jazz conviven con tendencias más recientes. Todos tienen éxito, aunque unos lo tengan más que otros. Hay música para todos los gustos y lo mejor es que la moda es que no hay moda. En el siglo XXI uno puede pasear con una camiseta de Nirvana o Metallica, algo totalmente actual, mientras otros disfrutarán de la música más discotequera del momento.

La música de hoy en día está, a menudo, relacionada con las ciencias y con las nuevas tecnologías. Las creaciones, técnicas y medios más recientes no son más que un reflejo de la música actual y presagian lo que serán las melodías en el futuro. En pleno siglo XXI, destaca la música electroacústica, el desarrollo de programas informáticos de composición, así como las innovadoras formas de escuchar música gracias a los nuevos medios en audio. También señalaremos el personaje floreciente del compositor que emerge por Internet. Además está la aplicación de la Inteligencia artificial la creación musical, lo cual produce debate.

Entre las nuevas tendencias musicales en este siglo XXI, encontramos por ejemplo la fusión del flamenco con el “chill out” o lo que es lo mismo el flamenco chill. El público suele disfrutar de esta música cuando en un determinado momento de un festival llega el momento de la música relajante. A este estilo musical primero se le llamó “ambient” y más tarde “chill out”. Un grupo importante de flamenco chill, que está ganando cada vez más fama y popularidad es “Chambao”.

Algunos cambios o transformaciones que se han venido dando en la música del Siglo XXI son :

El siglo XXI está siendo testigo de una serie de amenazas para la música. Las tecnologías de la información han cambiado nuestros hábitos y costumbres de la vida cotidiana, de nuestro trabajo y de nuestro ocio. Internet es el máximo exponente de esta revolución tecnológica. Un mundo lleno de posibilidades donde casi todo es posible.
Estas transformaciones han tenido también repercusión en el mundo de la música. Y es que la digitalización ha cambiado la forma de concebir la música. Con un ordenador conectado a Internet se puede acceder a un amplísimo mercado de ficheros musicales de forma gratuita. La Red de redes ha avanzado muy deprisa y este es el origen del problema: la industria musical no ha sabido adaptarse a este cambio. Digamos que “le ha pillado desprevenida”.

Por otra parte, la digitalización permite realizar copias de compactos digitales, lo que ha creado un mercado ilegal de la música alimentado por mafias internacionales en la mayoría de los casos: es el conocido Top Manta.

En este contexto de revolución tecnológica nace el fenómeno de la piratería, que ha puesto en jaque a toda la industria musical y se ha convertido en el mayor lastre de la historia de ésta. Para algunos es un negocio, para otros la ruina; muchos lo ven como una forma más fácil de acceso a la cultura y otros muchos lo ven como un delito. El debate se ha abierto en nuestro país y ya ha llegado al Gobierno, que ha tomado ya las primeras medidas contra algo que considera un atentado contra la Propiedad Intelectual.

Algunos exponentes de la época actual son :

Lady Gaga

(Stefani Joanne Angelina Germanotta; Nueva York, 1986) Cantante estadounidense. Gran diva del pop más reciente y reina cuando menos de la excentricidad por la estética rompedora que acompaña sus conciertos y sus apariciones en público, los álbumes y sencillos de su todavía breve pero original carrera han encabezado repetidamente las listas de ventas y merecido numerosos galardones y reconocimientos. En la edición de 2010 de los MTV Video Music Awards, fue la gran triunfadora al llevarse ocho de los trece premios a que aspiraba.

Hija de un empresario y de una asistente de telecomunicaciones de origen italiano, a los cuatro años empezó a tocar el piano de oídas, y a los doce ya hacía sus pinitos como compositora. Cursó estudios en el Convento del Sagrado Corazón, en Manhattan, una elitista escuela privada y católica para féminas en la que, por esa misma época, estudiaban también otras jovencitas que alimentarían (aunque por otros motivos) las páginas del papel couché: Paris Hilton y Kim Kardashian. A los diecisiete años fue admitida en la Tisch School of the Arts de la Universidad de Nueva York para estudiar música, aunque lo dejó a los pocos meses. Rellenita y de larga melena morena, inició su carrera artística interpretando canciones melódicas al piano en clubes y pequeñas salas de Nueva York. Nada hacía presagiar que poco después estaríamos ante un icono global.

El 12 de septiembre de 2010 Lady Gaga fue la gran protagonista de la gala de los MTV Video Music Awards, en el teatro Nokia de Los Ángeles, al alzarse con ocho de los trece galardones a los que aspiraba: mejor vídeo del año (por Bad Romance), mejor vídeo pop, mejor vídeo de una artista femenina, mejor vídeo dance, mejor coreografía, mejor dirección y mejor edición; por Telephone, en el que aparece con Beyoncé, se llevó el de mejor colaboración. Gaga, que se presentó con ocho vestidos diferentes (uno para cada galardón y entre ellos uno confeccionado con filetes de vacuno que causó estupor), aprovechó la ocasión para anunciar el título de su siguiente álbum:Born This Way, que vería la luz en mayo de 2011 y que tuvo de nuevo una extraordinaria aceptación, tanto en ventas como en su valoración por la crítica musical.

Beyoncé

(Beyoncé Giselle Knowles; Houston, 1981) Cantante de rhythm and blues, pop y soul estadounidense. Integrante de Destiny’s Child, el grupo femenino de R&B más famoso de la historia, con más de 33 millones de discos vendidos en todo el mundo, su carisma, su belleza y su talento la han convertido en una de las divas musicales del momento.

Nacida en Houston, Texas, el 4 de septiembre de 1981, Beyoncé, a quien sus amigos llaman cariñosamente Bee y Juju, era hija de Tina Knowles, diseñadora de ropa, y de Matthew Knowles, vendedor de instrumental neuroquirúrgico. Ya de pequeña demostró ser una niña creativa e inquieta. Empezó a cantar a los cuatro años, y la primera vez que se subió a un escenario supo que de mayor querría dedicarse al espectáculo.

No sorprende, pues, que con apenas nueve años decidiera montar su primer grupo musical. Tras varias formaciones embrionarias con varias amigas del vecindario que no fructificaron (Girl Tyme, Something Frehs, Cliche y The Dolls), su padre, Matthew, convencido de las aptitudes y de las posibilidades de la niña, decidió convertirse en su productor, manager y mentor musical. Surgió así Destiny’s Child. Junto a Beyoncé, completaban el grupo su prima, Kelly Rowland, LaTavia Robertson y LeToya Luckett.

Paralelamente a su carrera musical, Beyoncé inició con el nuevo siglo una pujante carrera como actriz, con su intervención en la película de MTV Carmen: A Hip Hopera (2001) de Robert Townsend. Más tarde, exhibiría su vis cómica con el papel de Foxxy Cleopatra en la película Austin Powers en Miembro de Oro (2002), de Jay Roach, protagonizada por Mike Myers. Participó además en The Fighting Temptations(2003) de Jonathan Lynn, y en un remake de La Pantera Rosa (2006) de Shawn Levy, con Steve Martin.

Pero el papel más importante hasta la fecha le llegaría con Dreamgirls (2006), de Bill Condon, un filme basado en el musical de Broadway de idéntico título e inspirado en el célebre trío de la década de 1960 The Supremes. La líder de este nuevo trío cinematográfico no podía ser otra que Beyoncé (Deena Jones), que aparecía en el reparto acompañada por estrellas como Jamie Foxx y Eddie Murphy.

Beyoncé, que ha incursionado como modelo para L'Oréal, planea actuar en un filme al año y grabar un disco cada dos. Dice que su meta es alcanzar un Oscar o un Tony. Y quiere unirse al elenco de estrellas de la música que no sólo tienen discos en el mercado, sino también objetos, como lencería o perfumes. Admiradora de Steve Wonder y de Wyclef Jean, su plato preferido es el pollo frito, y se desplaza en un Jaguar descapotable.

Madonna

(Nombre artístico de Louise Veronica Ciccone; Bay City, Michigan, 1958) Cantante y actriz estadounidense. Considerada el "fenómeno pop" más importante de las décadas de los ochenta y noventa, Madonna ha sido capaz de romper cualquier récord en su carrera, como ser la única solista que ha copado los dos primeros puestos de la listas de sencillos británica.

Acostumbrada a ser portada de revistas, tanto especializadas como de información general, sus éxitos musicales y sus apariciones en la gran pantalla han corrido parejos a los escándalos en los que se ha visto envuelta, aunque su producción musical ganó solvencia desde sus comienzos como producto para las pistas de baile, con álbumes en los que se ha rodeado de excelentes profesionales del sonido y la producción.

Ingresó en la universidad en 1975, con una beca para proseguir sus estudios de danza, que había iniciado en 1972 al conocer a Christopher Flynn, su profesor. En 1978 se instaló en Nueva York, en contra de la opinión de su padre, e inició su imparable carrera artística. Comenzó actuando en compañías de danza moderna con el coreógrafo Pear Lang. Interesada ya por los ambientes propios de las pistas de baile, en 1979 se trasladó a París para integrarse en el cuerpo de baile del por entonces popular cantante Patrick Hernández.

De regreso a Nueva York, formó junto a Dan Gilray el grupo The Breakfast Club, del que llegó ser batería a falta de alguien que lo pudiese hacer mejor. En 1982 fichó por Sire Records y su tema Everybody, el primero de su carrera, se editó para pasar prácticamente desapercibido. Otro tanto ocurrió con los dos siguientes hasta que el último, Holiday, fue producido por el conocido discjockey John "Jellybean" Benítez: entró en el top 20 norteamericano en septiembre de 1983. Ese mismo mes, con buenas críticas, editó su primer álbum, titulado Madonna. The First Album.

Su gran momento llegó en 1984: en noviembre sacó a la calle el álbum Like A Virgin. El sencillo homónimo, producido por Nile Rogers (el que fuera líder de Chic), se convirtió muy pronto en su primer número uno, lanzándole como una estrella en la que su imagen de sex-simbol tenía mucha trascendencia. La gira internacional, iniciada en abril de 1985, discurrió por 27 ciudades y tuvo un total de casi trescientos cincuenta mil asistentes. Asimismo, participó también en festival Live Aid junto a las más importantes estrellas del momento.

En 2004 se embarcó en una nueva gira mundial que, con el nombre de Re-invention, comenzó en mayo en Los Ángeles. En el espectáculo participaron un centenar de personas, con doce bailarines y cinco músicos en escena. La gira terminó en Lisboa, la noche del 14 de septiembre de 2004, ciudad en la que la cantante tuvo que repetir concierto ante la demanda de entradas. Dicho espectáculo coincidió con el reconocimiento de su adhesión a la cábala, la mística judía por excelencia, y de su deseo de cambiar su nombre por el de Esther.

En 2005 Madonna presentó Confessions on a dance floor, un trabajo en el que volvió a sus raíces, con música expresamente pensada para las pistas de baile. Su primer single, Hung up, que contenía un "homenaje" a ABBA y su Gimme! Gimme! Gimme! (a man after midnight), fue un rotundo éxito, y el elepé recibió excelentes críticas en todo el mundo. Madonna, además, abandonó la "serenidad" de los últimos discos y volvió a hacer gala de una ácida crítica social (incluso política contra los presidentes de Estados Unidos y Gran Bretaña) y de una actitud netamente provocadora, palpable sobre todo en los montajes de la gira "Confessions", que se inició en mayo de 2006 y que incluyó, entre otros duras escenas, una crucifixión de la propia cantante.